De Cine Cubano: Marlon Brito López.
Sitio del director Marlon Brito López para hablar de cine con todos.

Por Marlon Brito.

Es una historia sencilla que hurga con profundidad en los sentimientos. Habla de las añoranzas de un adolescente por encontrarse con su padre. Suceso que siempre fue impedido por  la madre durante la crianza del chico. Un día éste descubre las cartas enviadas por su padre y le exige a su madre ir a conocerle Pero el tema principal es la iniciación sexual del chico, su relación afectiva con su padre y con las mujeres.

El encuentro padre e hijo sucede como extraños. Carente de un patrón masculino a imitar, la conducta de Víctor, que es el padre; es rechazada por Marcos. Este  había idealizado a su padre a través de las cartas.

Entonces, Víctor intenta ganarse la aceptación de Marcos, y  trata de trasmitirle su amistad con consejos masculinos acerca de cómo se seducen a las mujeres. La actitud pasiva e infantil de Marcos, comienza a preocupar al padre. No obteniendo resultados inmediatos, debido a la inocencia e  ingenuidad de Marcos en asuntos de mujeres, el padre le pide a  Irene, su joven amante; que le ayude en la iniciación sexual del chico.

Mientras esto sucede, comienza a nacer una estrecha simpatía entre Marina, la esposa del padre y Marcos; él descubre además, de la inocente infidelidad de Marina y de los celos que siente su padre hacia ella por las constantes visitas que realiza a un primo lejano.

Irene, en contra de su voluntad, se propone activar el apetito sexual de Marcos, ella le respeta, solo intenta hacer nacer una pasión en él,  no le quiere hacer daño. Entonces, el padre le cede la llave de una casa a Marcos para que pueda tener contacto sexual con la chica. Marcos se estimula con la propuesta y va al encuentro de Irene y ella lo evade  por su  inocencia.

En un momento de intimidad el padre le confiesa al chico de los celos   y  las sospechas que está sintiendo por su mujer, le insiste al chico acerca de su gusto por las mujeres y como debían ser tratadas. El chico sale a buscar a Irene, pero no la encuentra,  y en su regreso a casa, descubre que la vivienda abandonada que le brindó su padre está abierta. La curiosidad le hace entrar; allí  descubre a Irene haciendo el sexo con su padre. Entra en catarsis interna y huye defraudado.

Al llegar a casa  se percata que Marina, ha sido golpeada y abandonada por Víctor. Por lo tanto; Marcos intenta salir para hacer venganza, pero Marina se lo impide,  en ese momento  de rencor y de violencia, nace el amor. Marcos tiene su primera vez con la mujer de su padre.

Al final, Marcos se marcha para  la gran ciudad, se despide sin rencores de Víctor  y de Irene. Él está convencido, que valió la pena la visita y el contacto con su padre. De ahora en adelante, sus encuentros serán más cotidianos. Dentro del tren se encuentra con Marina, que está  acompañada de su  primo; allí se presentan como amigos. No olvidará jamás, que con ella aprendió a conocer lo que sienten los hombres, cuando aman a una mujer.

Aprendiendo a ser un hombre es la tesis que permitirá que esta historia se cuente en tono de tragicomedia erótica. Película  que aboga por el entretenimiento inteligente y que nos permite reflexionar acerca de sentimientos afectivos, nos habla del desarraigo familiar y de la escala de valores que pueden adquirir o perder los seres humanos.

Lo que sienten los hombres es una historia sencilla que hurga con profundidad en los sentimientos. Entonces, para realizarla he concebido que el  corto sea:  natural, orgánico, bello, elegante, comunicativo, erótico, entretenido  y profundo. Para esta cruzada artística quiero invitar a Jorge Martines en el  rol de Víctor y para que interprete el personaje de Marcos he llamado a varios actores jóvenes para hacerle pruebas de casting. Tambien quiero que esten conmigo las actrices Yoraisy Gómez, Gilda Bello y Mirian Almeida, mujeres muy bellas y talentosas. Veremos cual de ellas seran las las elegidas. Ahora estoy en proceso de prefilmación con TVC Casa productora de cine, video y televisión del ICRT. Su rodaje está previsto para el mes de marzo. En próximas ediciones les  brindaré más detalles.

Por Marlon Brito López.

Es una comedia que trata sobre la familia Castiñeiras que un buen día recibe la noticia de una herencia millonaria. A partir de ese momento la vida de ellos y de todo el pueblo se desestabilizó.

El Cuerno de la Abundancia, es una reafirmación del estilo de comedias que realiza el director cubano Juan Carlos Tabío dentro de la estética cinematográfica conocida como Neocarnaval. Cuyos precursores, dentro del cine cubano, son los maestros Tomas Gutiérrez Alea y Humberto Solás. En este apartado Tabío incursionó como codirector en Fresa y Chocolate, pionera de esta corriente estética y filosófica que salió a la luz en la década de los años noveinta del pasado siglo.

Recuérdese Plaff y Lista de Espera, en esta última y en el Cuerno de la Abundancia se abordan un universo pequeño, pero con resonancia nacional. Amen de los excelentes resultados artísticos de ambas películas, El Cuerno de la Abundancia penetra en la piel de los cubanos, es mucho más aguda en los subtextos, proporciona además, una coherente relación entre las acciones dramáticas, el suceso dramático y la realidad que se esta representando, aportándole al filme una inigualable verosimilitud.

La puesta en escena estuvo sustentada por el magnifico guión escrito por Arturo Arango, este escritor nos propone una historia narrada en primera persona del personaje principal, poco común en el cine cubano pero nada novedoso en la filmografía mundial. Pero que en su película se convierte en un recurso eficaz.

Es una comedia que posee en su estructura situaciones enredadas que por momentos refleja ambientes muy significativos, muy a lo cubano, elementos muy típicos del Neocarnaval que nos ofrece una prospera carnavalización de los ambientes humildes cubanos y su interflujo con las calles destruidas por el tiempo o por la acción del hombre, lugares donde se desenvuelven los personajes, mostrando el mundo interior de cada uno de ellos a través de conductas humanas tanto disparatadas (Extremadamente irónicas) como reales, existentes en la sociedad cubana.

Esta película se caracteriza por presentar en su estructura interna un Plot familiar que se desarrolla a partir de un interés común, la herencia, que es el eje fundamental de la historia. En el guión de Arturo Arango están muy bien delineadas la psicología de cada personaje, sus conflictos y motivaciones enriquecen cada suceso dramático.

Si de personajes se trata, Juan Carlos Tabío se apoya de un elenco magistral donde los personajes principales y de reparto brillan con un histrionismo excepcional, resaltan las interpretaciones de Jorge Perugorría, Laura de la Uz, Enrique Molina, Thaimí Alvariño, Mirta Ibarra, Paula Alí, Barbaro Marín y Vladimir Cruz. Se destacan también los noveles actores.

Vale destacar la actuación de la actriz Thaimí Alvariño, que en los últimos años han interpretado diversos personajes (alcohólica, drogadicta, dama de abolengo, mujer fatal y obrera) ahora nos ofrece una convincente madre soltera de origen campesino. Para muchos especialistas, Tahimí ha pasado de versátil actriz a camaleónica diva del audiovisual cubano porque su madurez interpretativa y su histrionismo son sus principales cartas de triunfo.

En El cuerno de la abundancia existen una gran cantidad las metáforas, con un balance entre la sátira y la crítica, que trata de la situación económica del país. Dicho de otra forma, es un acertado punto de vista el empleado por Tabío y Arango. Ambos han creado una película neocarnavalezca, que desde su género, se inmortalizará por ser fiel a su tiempo y a su público.

Por: Marlon Brito López.

Omertá es la recién estrenada película del realizador cubano Pavel Giroud, en el 30 Festival de Nuevo Cine Latinoamericano nos recrea a la Habana en el año 1959. Habla de hombres vinculados al código Omertá y su metáfora es precisamente basada a ese código, la traición se paga con la muerte.

Un filme que se sustenta y crece con elementos del cine negro y principalmente con el adecuado uso de esteriotipos del cine de la Mafia. Es quizás, un guiño a Mario Puzo y al maestro Ford Coppola, porque Pavel Giroud respeta la zona paradojal de la mafia que establecieron como cánones de este tipo de cine el binomio Puzo-Coppola.

Por encima de toda opinión, Omertá posee su propia personalidad, no traiciona la estilística del cine cubano y su aporte al séptimo arte criollo, aunque transita por un género poco tratado en el cine que se hace en la isla, no renuncia a reflejar al cubano tal y como es, intrépido, altruistas y con un gran sentido del honor y un insaciable humor.

De muchas ironías esta hecha la vida y esas ironías están presentes en el filme. Es archiconocido que La Mafia y el comportamiento mafioso, es abarcadora y está peligrosamente difundida. Eufemísticamente, es una trasgresión organizada, pero en realidad es un comportamiento grupal brutal y delictivo por excelencia, que no admite disensos y exige acatamiento neto, bajo pena extrema.

En el filme de Pavel se observan esos elementos, sin embargo aporta más. Pavel evitando edulcorar a sus mafiosos, establece muy bien las diferencias personales de cada uno de los personajes vinculados al código Omertá y sabe construirlos con una psicología bien definida para hacer tangible la historia, la época y el contexto social que se esta viviendo.

Como elemento interesante nos propone que en esta micro fracción de la mafia cubana se experimenta cierta integridad racial porque acepta en sus filas a un hombre de la raza negra, esta licencia asumida por Pavel enfatiza la poderosa convicción ideológica que se planteó en su punto de vista.

Hay un momento en el transcurso del filme que no esta a la altura de la obra, tiene que ver con la solución que se le da desde el punto de vista de puesta en escena a la secuencia del niño que hiere al gendarme de la policía, la acción dramática de este suceso posee altibajos, el montaje, aunque hace gala de su buen oficio no logra solucionar plenamente esta situación.

Ojo, aunque la secuencia anterior posee altibajos en su puesta en escena, posee un sólido fundamento dramaturgico. Teniendo en cuenta que el absurdo es permisible y es una carta de triunfo en esta película, la ingenuidad del chico que toma el revolver y asesina al policía no es un error del guión, son elementos de apoyaturas que actúan como suspenso en esta secuencia que a modo de parodia representa los contrastes psicológicos existentes entre los personajes y la época, sacando a luz otra metáfora, unos matan por oficio, otros por inocencia.

En las actuaciones se destacan los jóvenes y los más consagrados, pero la triada integrada por el camaleónico Manuel Porto, el consagrado Kique Quiñones y el versátil Yadier Fernández, es una muestra de la apropiada y convincente selección de casting empleada por Pavel y los productores del filme. No nos asombremos si uno de estos nombres es nominado al premio de actuación masculina o de reparto, el histrionismo y lo orgánico se hace muy evidente en cada una de estas interpretaciones.

De otra parte, en lo formal tal vez otros pueden encontrar en Omertá lo manido, lo clásico, pero Pavel en este divertimento logra trasmitir códigos universales, vistos e interpretados por él desde su propia hermenéutica intelectual. Seria injusto y pedestre catalogar a esta película como una historia insustancial e intrascendente, es sin embargo una excelente recreación de un segmento social de una época, es una historia bien contada que utiliza intertextos de sutil y eficaz agudeza psicológica y social.

La fotografía de Luis Najmias, la Dirección de arte de Onelio Sarralde, el montaje de Lester Hamlet y el adecuado tratamiento del sonido realizado por Agost Alustiza Lasa,implican una realización de exquisita factura cinematográfica que corresponden a la genuina estética visual del realizador Pavel Giroud.

Omertá apuesta en ser nominada a los primeros premios en especialidades y en ser la película, dentro de su género, la más popular de la 30 edición del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de la Habana, sólo el tiempo nos dirá la última palabra.

Por Marlon Brito López.

Guardo gratos recuerdo de este telefilme producido por TVC Casa Productora. Esta inspirado en la obra teatral del dramaturgo cubano Nicolás Dorr, de igual nombre y trata sobre la historia de dos mujeres, madre e hija, quienes viven enclaustradas en un apartamento en lo alto de un edificio. Ellas para aislarse del mundo, toman como justificación la rotura del ascensor, hasta que un día la paz es perturbada por un apuesto joven, que resultó ser el mecánico del ascensor.

Fue mi opera prima de ficción, era un reto y así lo me lo propuse, hacerlo bien y fundamentalmente con un leguaje y una filosofía cinematográfica. Por eso asumí la escritura del guión, negociar con Nicolás la puesta en pantalla más cercana al lenguaje cinematográfico me costo largas conversaciones, era de esperar, decirle a un connotado dramaturgo que la mayor parte de los monólogos de sus personajes desaparecían de mi propuesta, porque no aportaban nada a la acción dramática que yo quería montar en la estructura narrativa del telefilme era casi ofenderlo, eso pensaba yo, pero la experiencia de mi colega como jurado de guiones en varios Festivales de cine, como profesor del Instituto Superior de Arte y sobre todo, su sencillez, me permitieron abrir el camino.

Para mí asombro, entre mis compañeros de oficio, existían ciertos prejuicios con esta obra teatral, algunos la consideraban de comedia rosa o de teléfonos blancos, otros opinaban que era anticuada y que sus diálogos eran reiterativos, pero como cada cual ve al mundo con sus propios ojos, decidí ver con mis propios todo lo bueno y hermoso que trasmite esta historia, sobre todo su pensamiento humanista, que es la clave fundamental del mensaje que nos trasmite toda la obra de Nicolás Dorr.

Es por ello que me dediqué a resolver las complejidades estructurales de la escritura teatral, los saltos temporales y el desplazamiento constante de los personajes y simplificarlos en una estructura de rodaje típica del cine, en fin, traducir en imágenes los conflictos del mundo interior de sus personajes y hacer elocuentes todos los textos para lograr verosimilitud a mi relato audiovisual.

Después de terminar el rodaje y en plena faena de montaje, comprendí que el camino trazado sólo estaba  a mitad del camino, se imponía trasmitir emociones a través del discurso que yo quería implantar en la estructura dramática, ya había utilizado a la cámara como principal instrumento para expresar mi lenguaje, pero el montaje fue el toque final, y lo logré.

Aprendí muchas cosas interesantes al lado de gente de cine, me acompañó el director de fotografía Livio Delgado, pero sobre todo aprendí de la sencillez de Rosita Fornés, su constante vocación emana detrás de su sonrisa, es una excelente persona, muy profesional, le comunique que si algún día puedo volver hacer para el cine la misma obra, quería que fuese con ella, me respondió que siempre estaría a mi disposición, pues se sintió muy bien con esta obra, que la había disfrutado mucho.

Escrito por Marlon Brito

Riesgo en la torre, es un corto dramatizado para la TV cubana, que se estrenó en diciembre del 2004, en el espacio El cuento, de Cubavisión.

Desde sus inicios, fue un proyecto que tuvo polémicos antagonismos para su aprobación, por la crudeza del desenlace y la revelación de sus planteamientos. Recreado en la atmósfera propia del suspenso, y teniendo en cuenta que sin espectador no hay suspenso posible, ha sido hecho a la medida de aquellos que tienen la virtud de colocarse dentro de la piel de los personajes, y sorprenderse con sus propios descubrimientos, así como también para quienes disfrutan con la mortificación de lo imprevisto.

Es el segundo riesgo audiovisual que asumo como director cinematográfico de obras de ficción. Es una obra basada en el relato Hombre con problema, del autor norteamericano Donald Honing. El guión fue escrito por Gerardo Chávez Spínola, que es un creador acostumbrado a moverse dentro de las tramas de misterio, luego me involucré, e hice una readaptación más cercana al tono y al estilo que quería emplear en este corto de ficción.

Riesgo en la torre es una historia enmarcada en el género dramatúrgico de tragedia clásica, yo le incluí elementos del triller y del suspenso. Para tal fin realicé un minucioso trabajo en el montaje, en especial en la fluidez narrativa, el equilibrio en la escala y duración de los planos, la velocidad y el ritmo, entre otros parámetros técnicos y artísticos que exige el oficio. Al final, conseguí la atmósfera dramática que buscaba para la puesta en pantalla.

Siempre estuve consciente de que Riesgo en la torre es una obra compleja desde el punto de vista de producción y de realización, en esencia es una obra enmarcada en finales efectistas, pero que a la corta o a la larga trasmite un mensaje al subconsciente del espectador, y esa motivación es causada por la tesis y el superobjetivo que me propuse desarrollar.

De otra parte asumí tratar el tempo narrativo bajo la decisión de dejarme llevar por el tono. Desde mi época de editor, nunca me ha preocupado si el ritmo es lento o rápido, sino que se trate del ritmo adecuado, y en este cortometraje el clímax o el conflicto esta justo a la medida, que solamente se logra cuando el tempo narrativo es el más adecuado.
La historia que les cuento trata sobre Miguel Morales, un hombre que decide matarse y matar al amante de su difunta esposa. Entonces Miguel Morales, se convierte en un ser solitario y puede que sea un desequilibrado. Tal vez un hombre que es victima de un desajuste, que puede oscilar entre la depresión y la psicopatía.

Mi intención no era hacer un relato psicológico, tampoco generar en el publico una inquietud ambigua. Me atraía retratar una anormalidad que parece tan normal y traté de despertar en este corto una inquietud sobre lo ordinario, no sobre lo extraordinario. De Miguel Morales,- excelentemente interpretado por el actor Leoncio de la Torre.- a mi no me interesaba su lado oscuro, sino la parte blanda. Pues, mi intención era demostrar que todos podemos vernos reflejados en la forma en que Miguel se dejó llevar.
Para ser más exacto, mi extensión primordial era inducir a cierta reflexión sobre nuestras vidas. No debemos atiborrarnos de todo lo que se dice, chismes, bretes, y de los fantasmas que vienen a nuestras mentes. Debemos saber escoger la responsabilidad de asumir la vida, aun en los momentos más difíciles. Es por esa causa que concebí y traté al protagonista de esta historia, como un antihéroe, porque no todo lo que hace es erróneo, incluyendo su rebeldía hacia esa cotidianeidad que es la vida.

En cuanto a la actuación, asumí que los actores llegasen hasta el tono necesario que respetase la estructura dramática de la obra, y para eso me incliné más a que la actuación estuviera basada en la escucha de el uno con el otro, para recuperar o mantener el ritmo entrecortado de la conversación, tal como ocurre en la vida real. Más allá de todo esto, quise expresarme con plena libertad, utilizando además, los principios del "no montaje" y la profundidad de campo, porque creo en el concepto de que la puesta en escena en profundidad, me permite que el hecho se desarrolle por si mismo y hace sentir que la imagen mostrada, está estrechamente ligada con el hecho filmado. Y así lo hice, en las secuencias filmada en el estacionamiento y en los pasillos del Hotel Palace de mi historia, mandé a los actores a que se desplazaran en relación con la cámara, en el interior de un plano fijo, o en movimiento y resultó. Y así otras situaciones similares. Por lo pronto creo que la historia de Riesgo en la torre puede apasionar, intrigar y sorprender a muchos. Ojalá así sea.

Ficha técnica:

Duración: 23: 25 min.
Formato: Video Betacam SP Color
Director: Marlon Brito
Guión: Gerardo Chávez y Marlon Brito
Dirección de fotografía: Pablo Martínez Viera y Roberto Mera Rojas
Editor: Pavel Ramírez Mata
Banda Sonora: Maikel Pérnia López y Pavel Ramírez
Música: Osmel Francis, José Antonio Leiva, Magda Galbán y Leo Brouwer
Productora de rodaje: Adriana París
Productora general: Argentina Fabré

Reparto:
Miguel Morales: Leoncio de la Torre
Adolfo Mendieta (Policía): Luís Ubaldo Benítez
Cecilia: Valia Valdéz
Dr. Bermúdez: Héctor Echemendía
Padre Antonio: Rigoberto Rufín
Gerente Richard: Julio Quesada
Reportera: María Teresa Carrasco
Empleada: Yendis Cabrera
Mujer policía: Yunaica Torres

Casa Productora: TVC. Productora de Cine, Video y Televisión.
Casa distribuidora: RTV Comercial

Segunda Edición.

Por: Marlon Brito López.

En el 2007, el televidente cubano presenció la teleserie La Cara oculta de la luna, que trataba acerca de la diversidadd sexual, el alcoholismo y el SIDA, para aquellas fechas el público cubano estalló en una serie de polémicas, con ellas había comenzado una nueva forma de tratar la sociedad cubana en temas, que hasta ese entonces era un tabú. He aquí mis impresiones.

Estuve leyendo las opiniones del portal www.cenesex.sld.cu/ abierto al debate acerca de la Serie Televisiva La cara oculta de la luna . Y como público y especialista en los medios, he tenido que detenerme a reflexionar muy seriamente acerca de la causa y el efecto que ha causado en el televidente cubano y en la critica especializada y he llegado a la conclusión, _ la misma que tuve cuando leí y discutí los guiones junto a mis compañeros del grupo creativo de series dramatizadas de la TV Cubana ,_ que es una serie didáctica cuya finalidad tiene el objetivo de orientar, promover y reconocer que la única forma preventiva de evitar el VHS SIDA es la de tener sexo seguro, protegido.

Los superobjetivos estaban muy bien definidos, alertar acerca de la peligrosidad de esta pandemia, existente también en nuestro territorio y que infecta a cualquier grupo, raza o credo. Reflexionar acerca de la eliminación de los prejuicios que acarrea o conlleva el tema del VHS-SIDA vinculado al sexo dentro de nuestra sociedad y en especial, la familia.. Existen otros superobjetivos, no solo de carácter ideológico, dicho en el buen sentido de la palabra, sino también de carácter artístico.

Es precisamente en el tema artístico donde me voy a detener, como artista tengo una definición muy personal de su significado y es que el arte es tan ambiguo y abstracto que hace un efecto latente para nuestras conciencias, sobre todo, cuando se refleja con honestidad y talento la sociedad en que vivimos y eso, eso es lo que precisamente se está logrando en la Serie La cara oculta de la luna .

Antes de La cara oculta de la luna nuestro público estaba prejuiciado, aceptaba ver en producciones extranjeras cualquier tipo de tragedia social, pero no había rebasado el umbral de la autocrítica, en honor a la verdad así nos estábamos engañando todos. En el mundo las cifras del SIDA se incrementaban de manera alarmante y en nuestro país, a pesar del excelente y profesional proyecto o plan de salud publica destinado a las enfermedades infecciosas, no se había logrado mayor eficacia en los medios la campaña propagandística en torno al tema del VIH-SIDA y ahí es donde entramos nosotros, los artistas, no bastaban conciertos y las canciones de Buena FE o los documentales de mi colega Belkys Vega y de otros compañeros, sino de llegar a nuestras casas, en un horario estelar, de forma artística efectiva, afectiva y respetuosa, y como ven estamos hablando de sentimientos y de ética, teníamos que hablar de nuestra tragedia de manera responsable, con amor y sin prejuicios, pues ocultándolos ya nos había causado grandes males.

Es entonces cuando se decidió hablar primero sobre cómo los jóvenes eran los más propensos al contagio, como grupo era el de mayor riesgo y en éste punto no podíamos permitirnos hablar con ambigüedades, la historia de Amanda y de Lester tenía que tocar las fibras más intimas de nuestras familias, pues los prejuicios morales y sexuales atentaban a conocer la verdadera cara del SIDA. Al final de esta historia los resultados fueron positivos, las familias se unieron y se amaron más, los jóvenes adquirieron conciencia plena acerca de la protección y los padres, los abuelos y los profesores se llamaron a la reflexión en cuanto de cómo asumir la educación sexual de las nuevas generaciones.

La segunda historia, la que habla de la libertad de conductas sexuales, expone claramente los riesgos que afrontan las personas bisexuales y homosexuales. Es este otro tema que había que tratar con honestidad y con alto vuelo artístico, tanto el equipo de dirección, los actores y la propia redacción dramática de la TV tenían que desarrollar una estrategia artística basadas fundamentalmente en la ética aplicada al tratamiento de la puesta en pantalla ya sea en cada una de las escenas como en la actuación, en esta especialidad se requería que fuese natural y orgánica, pues teníamos que evitar promover esas conductas ni de criticarlas injustamente o de manera equivocada, de lo que si estábamos bien claros es de que había que tratarlas con la humanidad que se merece cada grupo sexual y demostrarle al teleespectador que cualquier conducta sexual desprotegida puede adquirir el virus del SIDA, también se llama al amor y a la solidaridad de la familia y por qué no, al vecino o al compañero de trabajo, pues el SIDA no nos hace diferentes.

Con La cara oculta de la luna, a pesar de que no es la obra perfecta, hemos roto con cánones preestablecidos en cuanto temas y tratamientos, pero tenemos la certeza de haber entrado en el corazón del pueblo, en cada casa, en cada calle se habla y se medita acerca del SIDA, ahora somos menos prejuiciados y más humanos, concientes de que la única verdad en está vida y la única fuerza es el amor. En él está la salvación y en él está el mundo.

Escrito por Marlon Brito López.

La fundación en la TV Cubana, de los Estudios cinematográficos y de animación del ICRT ocurrió en el año 68 del pasado siglo. Desde aquel entonces hasta el presente se han realizado un sin fin de películas, ya sea de animación, ficción y documental, incluye además, los reportes noticiosos y deportivos utilizados como intercut para los noticieros, este recurso se fue dejando de utilizar por la llegada de la técnica del video tape y de las cámara portátiles para el reporte electrónico de noticias.

Las obras cinematográficas producidas por los Estudios Cinematográficos y de Animación del Instituto Cubano de la Radio y la Televisión, generalmente se realizaban en el formato cinematográfico de 16 milímetros hasta la llegada de los años 90 donde desaparecieron las producciones fílmicas debido a la depresión económica sufrida por Cuba.

A finales de los 90 hubo un nuevo intento de hacer cine para la televisión, pero con formatos de video, solo a partir del 01 del presente siglo comienza a realizarse por los Grupos de creación de la Televisión Cubana un cine con mayores intenciones artísticas. Es en aquel instante que comienza a mal llamarse al telefilme como teleplay, desde aquella fecha hasta el presente se han realizado, aproximadamente unas 70 obras cinematográficas, entre largos, medios y cortometrajes en los tres géneros, animación, ficción y documental, muchos de ellos premiados en certámenes nacionales y en Festivales Internacionales de Televisión.

El problema fundamental que tiene el cine producido por la televisión en Cuba es que no tiene sitio en la gran pantalla nacional y en los certámenes competitivos de los festivales internacionales de cine, incluyendo el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano.

Pueden ser varias las causas que proporcionan tales situaciones:

1. Los telefilmes de ficción producidos por la Televisión Cubana están excluidos de los 12 espacios cinematograficos que transmite la propia Institución en sus cinco Canales de alcance nacional, donde más del 98 por ciento de las películas que se exhiben son de producción estranjera.Quizá esto se deba a que el telefilme de factura nacional es erroneamente clasificado como un programa monotematico de ficción. Entonces, la  exhibición de estas obras cinematográficas están confinadas en estrictos y efimeros horarios de temporadas.

2. Teniendo en cuenta que los estándares internacionales, la duración de un telefilme es entre los 90 y los 120 minutos. El tiempo de duración del telefilme cubano esta limitado a los 57 minutos.

3. El formato de video que se utiliza tanto en los rodajes como el copión final no es compatible con la industria cinematográfica.

4. Se cree de manera prejuiciada que el telefilme es un arte menor, que es un producto ajeno de la cultura cinematográfica de la gran industria.

5. La débil voluntad que poseen los artistas que lo producen, en presentar sus obras cinematográficas en los nuevos mercados, casas distribuidoras y exhibidoras con los actuales formatos DVD.

6. El bajo presupuesto de financiación y el incoherente y obsoleto métotodo de producción que se emplea en la realización del telefilme.

7. No existe en la Televisión Cubana una Casa Productora que se dedique de forma exclusiva y sistemática a la producción de telefilmes.

No obstante, desde el año 01 hasta el presente, se ha experimentado en la Televisión Cubana un incremento de la calidad artística de telefilmes, vale destacar la diversidad de estilos y el pluralismo de temas, todos motivados por hacer reflejar en la pantalla la realidad social de la isla, su diversidad étnica, la historia, las costumbres y el surgimiento de nuevas tendencias sociales y culturales, se ha recorrido un largo camino en la creación cinematográfica, ahora se busca llegar a la excelencia artística y en lograr la consolidación en la producción, no sin antes de alcanzar nuevos espacios de exhibición y de mercado.

Comentarios de su director Marlon Giraldo Brito López.

Este es un cortometraje que realicé con TVC Casa Productora, basado en el cuento homónimo de la escritora cubana Anna Lidia Vega Serova. Un buen día llegó el guión a mis manos, estaba escrito por un debutante, Pedro Luís Rodríguez, quién en esos momentos era obrero de oficinas de un central azucarero del centro de la isla. En lo particular, yo no conocía el cuento original, pero la adaptación de Pedro Luís me gustó. Me puse en contacto con él y reajustamos el estilo y la estructura a la tesis y al superobjetivo que me interesaba decir en esta historia y resulto interesante. Así nació esta comedia familiar.

Graciela es una muchacha de 25 años de edad, que fue abandonada por sus padres cuando se marcharon hacia el extranjero y dejaron a su hija de 8 años al resguardo de la abuela materna, quien la educó hasta su muerte. Graciela se tuvo que mantener desde la adelescencia, en la década de los años 90, Graciela no contaba con familia alguna, trabajaba como atrezzista en un taller de títeres y vivía con un salario que apenas le alcanzaba para alimentarse y cuidar la vieja casona que heredó de su abuela.

De otra parte, Graciela tenía una relación intima con Javier, un joven trabajador y muy enamorado de ella que trabajaba como maestro panadero. Un día, después de trece años sin tener noticias de sus padres, Graciela recibió una considerable suma de dinero que le fue enviado por ellos. A partir de la llegada del dinero la vida de Graciela se fue trastornando, se enfrentaba a un gran dilema, el dinero o el amor. Al final de esta historia, Graciela tenía que decidirse por uno.

En lo particular siempre he creído en el valor humano y social de la familia, de ella, si se tiene o se tuvo, se heredan una escala de valores que están sustentados por el amor, la fidelidad y la tolerancia. Basado a estos argumento escribí el artículo Arte y amor vs sida en el portal Web del Centro Nacional de Educación Sexual motivado por las polémicas que generó la teleserie La cara oculta de la luna, que trababa sobre el VIH, el alcoholismo y la importancia de la familia.

En la Encomienda retomo la familia y el amor pero desde mi propia hermenéutica, esta vez planteaba un conflicto desde tres aristas: la soledad, la emigración y el dinero enfrentados al amor y a la familia.
Recuerdo que en el proceso de desmonte y en los ensayos, el actor Jorge Martínez y la actriz Tahití Alvariño me comentaban que la obra era más seria de lo que aparentemente se veía en los textos y confesaban que descubrían en los subtextos una lucha constante a favor de la dignidad humana y el amor. Estaban en lo cierto, ese fue el motivo que me movió para hacer este cortometraje. El reto era saber dirigir a estos talentosos actores y a los otros que formaban el reparto para decir mi verdad.

Así nació, una mañana de abril del 07 La Encomienda, tuve el honor de trabajar también con las actrices Tamara Castellanos, Yasmín Gómez, Giselle Odette, Valia Valdés, Ramona Roque y Orquídea Rivera, en especial de la niña Malú Tarrau. De otra parte estuvieron mis amigos, los actores Rolando Chiang, Frank Artola, Frank Reyes y José Ignacio León. Sin duda fue un elenco de lujo.

Mi teamwork estuvo integrado por el decano Livio Delgado en la fotografía, la música original del Dagoberto Pedraja, la edición de Maikel Román. La banda sonora fue diseñada por Rubén Gómez y Maikel Alfonso con la talentosa acesoría de Esteban Vásquez Aldana y la producción de Cesáreo Navas.

Con las manos del hombre, 1988.
Sinopsis: Es un documental de arte que cuenta en orden cronológico el surgimiento y desarrollo de la herrería decorativa en la arquitectura en la ciudad de Santiago de Cuba. 16 milímetros. Cine Independiente.

El Método SISTIM. 1993.
El documental describe los antecedentes que originan la obesidad y su posterior cura con la aplicación del Método SISTIM, creado por el Doctor Alberto Quirantes en el Hospital Salvador Allende de la Ciudad de la Habana. El documental refleja de una manera alegre y optimista los momentos alternativos de espera, dieta y ejercitación en la que se pone a prueba de voluntad del enfermo.

Apóstol. 1995
Premio Especial de los Estudios de Cinematografía Educativa del Ministerio de Educación.
Premio Especial del Jurado en el Concurso Vídeo e Historia del 5to Encuentro de Vídeo Cubano.
El documental demuestra como un concepto lingüístico e histórico revela su significado en la figura y en el pensamiento humanístico de José Martí, y de la influencia que ejerció la fe cristiana en su obra literaria.

Secreta Vitalidad Histórica. 1995
Premio Especial del Jurado en el Concurso Vídeo e Historia del 5to Encuentro de Vídeo cubano.
Este vídeo muestra las opiniones de los estudiantes, historiadores y escritores cubanos acerca de cómo recuperar en el sistema de enseñanza nacional la educación ética y moral que trasmite el pensamiento martiano. De cómo deben interpretarse las enseñanzas del Apóstol, el destacado poeta y ensayista Cintio Vitier explica su estrategia empleada en la confección de los Cuadernos Martianos.

Iberos. 1996.
El documental nos invita a encontrarnos con una cultura de un pueblo que vivió en Tarragona, Cataluña, en el Siglo III (ane) y su posterior descubrimiento en el año 1993. La ciudadela ibérica de Calafell es un lugar de indiscutible evidencia arqueológica donde se ha reconstruido y ambientado con rigor científico un importante asentamiento ibérico-prerromano.

EL Restaurador de Sueños. 1997.
El documental hace una descripción de los antecedentes que originaron la idea de unir a siete pintores con diferentes estilos expresivos para la realización de lienzos de gran belleza y colorido. Giorgio Serafine, quien desarrolla las actividades de gastronómico y marchante de arte, asume un nuevo proyecto cultural que partirá de las playas de Calafell hasta llegar a la Habana para hacer fusionar los estilos pictóricos de la península ibérica con el más genuino primitivismo caribeño, representado por la pintora cubana Flora Fong.

Lluvia Fiel. 2000.
Es un vídeo clip con música de José A. Nicolás Zorrilla, realizado con elementos del estilo Dogma a la cantante cubana Milada Milhet. La joven morena canta y baila por los mercados artesanales de la Habana y promueve el amor y la fidelidad en compañía de una musa de cinco años de edad.

Serie Documental Signos de la Televisión Cubana.2000.

Sensualidad y Espacio: Corto documental que refleja la obra artística de la más excelsa escultora cubana, Rita Longa.
El Mármol y la mar: Vídeo documental que muestra el rudo y talentoso trabajo que realiza el escultor Juan Quintanilla para hacer surgir sus más preciadas joyas. Desde los años noventas Quintanilla se ha convertido en el más prominente artista de la escultura ambiental cubana.
El Jigue del Monte: Es un corto documental realizado al pintor primitivista Ever Fonseca. Su mentalidad creativa esta condicionada por la naturaleza, en especial, la flora del campo cubano. Ever, nos cuenta como sus imágenes plásticas nacieron cuando él apenas era un niño.
Cuero y pintura: Es un documental que nos dice como el pintor Oscar Pattersón se convirtió en artesano. Premio de la UNESCO por la calidad de sus tabaqueras y humedores para tabacos. Patterson nos cuenta sus intimidades artísticas y nos adelanta un nuevo reencuentro con la pintura de temas yorubas. También nos brinda sus experiencias en ambas manifestaciones.
La Corbata Roja: El pintor y poeta Julio Girona hace un análisis de su vida personal y artística. El gran amor por ILCE, su difunta esposa, y los traumas de la Segunda Guerra Mundial, en la cual se alistó como soldado voluntario, son los motivos principales de su obra pictórica y literaria.

La Soledad. Drama social. 2000.
De forma experimental, éste corto de ficción refleja como una simple discusión familiar dentro de una familia de campesinos cubanos se convierte en un dramático conflicto sentimental. La soledad es una invitación para reflexionar acerca de la tolerancia que se bebe asumir frente a los hijos y a la ancianidad.

Nenúfares en el techo del mundo. Comedia.2003.
Basada en la obra teatral de Nicolás Dorr de igual nombre y trata sobre la historia de dos mujeres, madre e hija, quienes viven enclaustradas en un apartamento en lo alto de un edificio. Ellas para aislarse del mundo, toman como justificación la rotura del ascensor, hasta que un día la paz es perturbada por un apuesto joven, le mecánico del ascensor.

Riesgo en la torre. Drama.2004.
Es la historia de un hombre que descubre que su mujer lo engaña con un policía, ella reconoce su traición y le pide el divorcio, él se niega y ella se suicida por causa del amante que la abandona, el marido convertido en viudo prepara un minucioso plan para vengarse. Basada en el cuento Hombre con problema, del autor norteamericano Donald Honing.

La Encomienda. Comedia. 2007
Basada en el cuento de la escritora Anna Lidia Vega Serova, narra la historia de una muchacha que fue abandonada por sus padres cuando era una niña quedando al resguardo de su abuela. Graciela creció y se convirtió en una mujer, después de perder a su abuela, comenzó a trabajar en un taller de atrezzo, solo contaba con la compañía de su novio, un joven maestro panadero que la ama incondicionalmente, Un día llega un dinero enviado por sus padres y la vida de Graciela comienza a ser una locura, ella tiene que decidir entre el amor y el dinero.

Resume profesional.
En los años ochenta se inicia como free lance y colabora como crítico de cine en diferentes publicaciones y en la radio. Se vincula en los cines clubes de realización y desarrolla los oficios de camarógrafo y editor. Presidente de la Sección de Cine y Televisión de la Brigada Hermanos Sainz de Santiago de Cuba. 1986-89.
En el año 1988 comienza su carrera profesional para la televisión autonómica de la Ciudad de Santiago de Cuba, donde dirige el programa Antena 12, especializado en crítica artística. Ese mismo año escribe y dirige su primer corto documental. Con las manos del hombre. 16 mm

Es productor independiente desde el 1993. Varios de sus documentales han sido premiados en los Festivales Nacionales de Vídeo y se han presentado en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano.

Es egresado de los cursos de postgrados de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de la Habana (EICTV) en las especialidades de Dirección Cinematográfica. Lugar donde, además, realizó dos cortos de ficción.
Sus telefilmes y documentales  se han exhibido en la Televisión Cubana, donde se desarrolla como guionista y director de espacios de ficción.
Miembro de la UNEAC y socio de la Sociedad General de Autores y Editores SGAE.